U2 y el sueño Americano

En 1987 la banda irlandesa U2 lanzo “The Joshua Tree”, el disco con el que conquistaron América a fuerza de compromiso social y político, y que se convertiría en su consagración definitiva.

Por Martín Calabró*

U2

“The Joshua Tree”

XXXXX

“La imagen del desierto es el corazón del disco”, decían los U2 por aquel entonces, explicando la portada y las fotos internas de “The Joshua Tree”, su quinto álbum de estudio, un disco de búsqueda espiritual empapado de Estados Unidos. Con influencias del blues, del folk y el gospel, y lejos de aquel pop envasado y new romantic característico de la década del 80, Bono, The Edge, Larry Mullen y Adam Clayton prefirieron enfocarse en la violencia sin sentido, la angustia, y la redención, con letras políticas y hasta religiosas, en donde los climas creados junto con los ingenieros y productores Brian Eno y Daniel Lanois adquieren características épicas. Canciones como “Mothers of the Disappeared”, donde la banda se hace eco del sufrimiento de madres e hijos ocurrido durante las dictaduras latinoamericanas, “Red Hill Mining Town”, que nos relata la desesperación de los mineros durante las huelgas en el Reino Unido, y “Bullet The Blue Sky”, que pone de manifiesto la opresión militar de Estados Unidos y lo equivocada que era la política internacional que el Presidente Ronald Reagan estaba desarrollando en países como El Salvador, son solo muestras de una obra gigante en el panorama musical de la época, logrando que, a pesar de ser poco optimista aunque sin llegar a una oscuridad explicita, se erigiera como Nº 1 en los charts del mundo y se convirtiera en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos.

Los esenciales: “Where The Streets Have No Name”, “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”, “With Or Without You”, “In God’s Country”.

 

X (Horrible)

XX (Más o menos)

XXX (Ta bueno)

XXXX (Corre a comprarlo)

XXXXX (Música Clásica)

 

*Co-conductor de Frecuencia X

Punk y circo

En 1977 un publicista y cuatro músicos ingleses editaron un disco que cambio de manera radical el rock & roll conocido hasta entonces: el punk de los Sex Pistols escandalizo a la conservadora sociedad británica y hasta a los rebeldes de la generación previa.

Por Martín Calabró*

The Sex Pistols

 “Never Mind the Bollocks Here’s the Sex Pistols”

XXXXX

“¿Alguna vez tuviste la sensación de que te estaban estafando?”, fueron las ultimas palabras de Johnny Rotten, voz y principal letrista de los Sex Pistols, apenas termino el concierto final de la banda mas caótica y provocativa de toda Inglaterra. Anarquía, nihilismo, y palabrotas varias se mezclan en 12 canciones sin desperdicio que la prohibición de ser difundidas elevo a la categoría de himnos. “Anarchy in the U.K.” (su declaración de principios y estilo de vida manifiesto), “God Save the Queen” (la grabación más censurada de la historia del Reino Unido, un “homenaje” a la Reina en el vigésimo quinto aniversario de su coronación), “Pretty Vacant” (con un riff inspirado en la canción “S.O.S.” de…¡ABBA.!), son muestras contundentes de una toma de posición (a)política de diseño pero honestamente brutal, que proclamaba el No Futuro y la destrucción total de las viejas estructuras de la sociedad como consignas revolucionarias. “Never Mind the Bollocks” llegó rápidamente al puesto Nº 1 en la lista inglesa de discos más vendidos, y tan solo 26 meses les bastaron a los Sex Pistols ascender a la cumbre y auto-sabotearse para arruinarlo todo. Con una instrumentación feroz pero pegadiza, los coléricos estribillos de Rotten, la guitarra cruda de Steve Jones, la batería de Paul Cook, y el bajo de Glen Matlock destilaban el exacto sonido rabioso que la banda necesitaba para afrontar tamaña empresa. Y claro, Sid Vicious, el inventor del pogo, y el punk perfecto.

No te mueras sin escuchar: “Anarchy in the U.K.”, “God Save the Queen”, “Pretty Vacant”, “Holidays in the Sun”.

X (Horrible)

XX (Más o menos)

XXX (Ta bueno)

XXXX (Corre a comprarlo)

XXXXX (Música Clásica)

 

*Co-conductor de Frecuencia X

 

Los Fab Four del metal

¿Se imaginan a una banda haciendo versiones de The Beatles pero con el sonido de Metallica? Existe: se llama Beatallica, y es la mezcla perfecta de las melodías de los Fab Four con la clásica potencia y agresividad de los metaleros.

Por Martín Calabró*

Beatallica

“Sgt. Hetfield’s Motorbreath Pub Band”

Inclasificable

Cuando ya empezábamos a hartarnos de las bandas tributo y de los discos homenaje, apareció Beatallica para hacernos sacudir la cabeza. Estos delincuentes musicales no ponen ningún reparo a la hora de fusionar una canción de los Beatles y otra de Metallica, con un título que incluye algo de ambas, y en las letras insertar aleatoriamente frases sueltas de canciones de los californianos con alusiones al grupo, incrustadas en la lírica original de los ingleses, creando un texto nuevo que tiene poco sentido. Y no solo eso: como si fuera poco, mezclan sus nombres artísticos y sus vestimentas. El resultado es tan divertido que es casi imposible no querer hacer un pogo con “…And Justice For All My Loving”, la correspondiente amalgama entre “…All Justice For All” de Metallica y “All My Loving” de The Beatles. O quizás hacer los cuernitos con el solo de “For Horsemen”, algo que Paul McCartney no imaginaba en tiempos del álbum “Revolver”. Tan bien cayeron en la comunidad metalera que fueron banda soporte de Dream Theater y Mötorhead, y hasta el mismo Lars Ulrich los apadrino cuando las discográficas intentaron censurarlos por derechos de copyright. Pero la historia, los discos y el vestuario se resuelven en el poderoso “Sandman”, en donde Jaymz Lennfield (en realidad el cantante y guitarrista Michael Tierney) justifica la existencia de toda la parafernalia de Beatallica.

No te pierdas:  “Sandman”, “…And Justice For All My Loving”, “For Horsemen”, “A Garage Dayz Nite”.

X (Horrible)

XX (Más o menos)

XXX (Ta bueno)

XXXX (Corre a comprarlo)

XXXXX (Música Clásica)

 

*Co-conductor de Frecuencia X

Sonidos de la playa

En 1966 los Beach Boys le decían adiós a la inocencia y a las playas Californianas para darle de manera definitiva paso a la adultez con un disco arriesgado de pop barroco magistralmente orquestado, ejecutado y producido.

Por Martín Calabró*

The Beach Boys

“Pet Sounds”

XXXXX

En 1966, con el planeta conquistado por las invasiones inglesas (Beatles y Stones a la cabeza), Brian Wilson, el genio creativo de los Beach Boys, entiende que un periodo de compromiso personal en la composición, los arreglos y la producción debía sobrevenir. De carácter introvertido y tímido, y distanciado de las giras por un año, Wilson ofreció al mundo su obra maestra: Pet Sounds, un álbum conceptual que, alejado del estilo de sus anteriores trabajos, y resistido por sus compañeros de banda, presentaba complejas orquestaciones y arreglos que ensamblaban tan bien una canción con otra que es casi imposible comprenderla cortando los temas para escucharlos de manera separada. Juegos de voces perfectos, algo en lo que los Beach Boys siempre dieron cátedra, adornan las composiciones ejecutadas por una orquesta de mas de cincuenta músicos profesionales con instrumentos típicos de la música clásica, con letras que aducen al fin de la inocencia adolescente, y el comienzo de una inevitable maduración adulta, justo es decirlo, con la colaboración del socio compositivo Tony Asher. Canciones espirituales (“God Only Knows”), tradicionales (“Sloop John B”), y hasta instrumentales (“Pet Sounds”), se suceden en un disco que no obtuvo el éxito esperado, y ni siquiera llego a ser disco de oro, pero que su marca es indudablemente la de un antes y un después, no solo en la carrera de los Beach Boys, sino en la historia de la música pop.

Canciones imprescindibles:  “Wouldn’t It Be Nice”, “Sloop John B”, “God Only Knows”, “Caroline No”.

X (Horrible)

XX (Más o menos)

XXX (Ta bueno)

XXXX (Corre a comprarlo)

XXXXX (Música Clásica)

 

*Co-conductor de Frecuencia X

 

El Club de los 27

Morirse a los 27 años ya es un clásico del rock. Cinco músicos que hicieron historia comparten la tragedia de haber fallecido a la misma edad por razones parecidas y en circunstancias poco aclaradas. Aquí te presentamos al famoso “Club de los 27”.

Por Martín Calabró*

Janis Joplin (1970)

Su deceso se produjo durante la grabación de su disco “Pearl”. Una noche se fue de copas y se emborrachó. Según el forense, murió por sobredosis de heroína. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó un testamento con 600 dólares para que sus amigos celebraran su muerte en una fiesta.

Brian Jones (1969)

Miembro fundador de los Rolling Stones y principal instrumentista, se separo de su banda cuando su novia le fue infiel con Keith Richards, sumergiéndose aun más en las drogas que lo iban alienando de la vida real. Lo encontraron ahogado en su piscina luego de una noche de fiesta y excesos en un accidente nada aclarado.

 

Jim Morrison (1971)

El poeta del rock tenía miedo escénico y usaba drogas para paliar sus inseguridades, se volvió un experto en el tema y escribió un tratado. Falleció de un paro cardiaco y lo encontraron en la bañadera de su casa parisina. Se había bajado de los Doors cuando su popularidad se encontraba en el punto más alto.

 

 

Kurt Cobain (1994)

La separación de sus padres cuando niño fue el principio de su espiral descendente. El líder de Nirvana era adicto a la heroína, sufría depresión, y un intenso y crónico dolor estomacal del cual nunca hallo la causa. Su cuerpo sin vida fue descubierto en una habitación encima de su garage. Se encontró una nota de suicidio junto a una escopeta.

Jimi Hendrix (1970)

“The Jimi Hendrix Experience” lo había echo famoso pero las continuas presiones para mantener a la banda de gira en agotadores festivales lo llevaron al uso de drogas. Murió en Londres luego de divertirse en una fiesta, y el forense declaro asfixia causada por su propio vómito. Había mezclado pastillas para dormir con alcohol.

 

*Co-conductor de Frecuencia X

 

Nevermind y la última revolución

En 1991 una discreta banda de Washington llamada Nirvana entraba a un sello grande para editar su segundo disco, logrando sacudirle a la cultura rock la brillantina y los pelos batidos con 12 canciones que hicieron historia.

Por Martín Calabró*

Nirvana

 “Nevermind”

XXXXX

“Queremos sonar mas lentos y mas pesados que Black Sabbath: saca los agudos de todos los canales”, fue una de las primeras cosas que le dijo Kurt Cobain, cantante, guitarrista, compositor y líder de Nirvana, al productor de “Nevermind”, Butch Vig. La banda sabia bien lo que quería, y hasta sospechaba que estaban haciendo algo bueno, pero jamás se imaginaban que aquello que comenzó como una serie de demos muy bien ensayados terminaría rotando en MTV con una “A” de anarquía como emblema y agotando entradas en todo el mundo. “Nevermind” fue la banda de sonido de la Generación X, y “Smells Like Teen Spirit”, su himno indiscutido. Pero allí había más que un fenómeno de masas que vendió millones de copias. Kurt Cobain, sin ser un guitarrista virtuoso, tenia todo el talento que se necesitaba para ser referente del grunge, expresando rabia y apatía a la vez, de manera agresiva y suave al mismo tiempo, de un movimiento que se negaba a ser absorbido por el sistema, concepto que se entendía desde la misma portada del disco, en donde se veía a un recién nacido persiguiendo un billete de dólar. “Nevermind” son doce canciones que definieron a una generación, y que hoy mas de una banda debería prestarles atención cuando consulta a Butch Vig y este les responde: “¿quieren sonar como Nirvana?, compongan temas tan buenos como los de Kurt Cobain.”

Los imprescindibles:  “Smells Like Teen Spirit”, “In Bloom”, “Come As You Are”, “Lithium”.

X (Horrible)

XX (Más o menos)

XXX (Ta bueno)

XXXX (Corre a comprarlo)

XXXXX (Música Clásica)

 

*Co-conductor de Frecuencia X

 

Pompa fúnebre con AC/DC

En 1980 los AC/DC perdian a su cantante y se hacian mucho mas fuertes registrando un disco de clasicos que los llevaria al podio de la cultura rock mundial, destilando en cada tema la esencia misma de la musica del demonio.

Por Martín Calabró*

AC/DC

“Back In Black”

XXXXX

“A la mierda, no voy a estar deprimido durante todo el año”, fueron las palabras de Malcolm Young luego de un duelo de dos días por la muerte del cantante Bon Scott en Febrero de 1980. En lugar de amilanarse, y lejos de grabar canciones tristes y nostálgicas, los hermanos Young, almas creativas de AC/DC, salieron al cruce de la situación con diez temas del mas puro rock and roll que se les haya ocurrido jamás: riffs potentes, estribillos pegadizos, energía rockera, y el debut de Brian Johnson como vocalista y compositor lograron crear un álbum con clásicos imbatibles que nunca da respiro. Desde las campanadas fúnebres de “Hells Bells”  hasta la declaración de principios de “Rock ‘n’ Roll Ain’t Noise Pollution”, los australianos por opción hablan de sexo (“Given the Dog a Bone”), chicas malas (“What Do You Do for Money Honey”), alcohol (“Have a Drink on Me”), juventud eterna (“Let Me Put my Love into You”), y muerte (“Back in Black”), en donde homenajean con todos los honores a su compañero fallecido en una gira de copas. De los discos más vendidos de la historia, “Back In Black” se lleva la medalla de plata: con más de 42 millones de copias vendidas hasta el momento en todo el mundo, AC/DC da cátedra de rock y encima gusta. El regreso fue de luto, pero la esencia siguió viva.

Los imprescindibles: “Hells Bells”, “Shoot To Thrill”, “Back In Black”, “You Shook Me All Night Long”.

X (Horrible)

XX (Más o menos)

XXX (Ta bueno)

XXXX (Corre a comprarlo)

XXXXX (Música Clásica)

 

*Co-conductor de Frecuencia X

El lado luminoso de Pink Floyd

En 1973 Pink Floyd se enfocaba en una serie de aspectos de la vida moderna como presiones cotidianas que podían llevar a la locura, para dar a luz uno de los discos más trascendentales de la historia del rock.

Por Martín Calabró*

Pink Floyd

“The Dark Side of the Moon”

XXXXX

“Esas diez canciones están en la conciencia de todos”, afirmaba Roger Waters en 2007, mientras presentaba su “The Dark Side of the Moon Live”, el concierto en que el bajista británico tocaba de manera integra, y sin cambiar una sola nota, la obra maestra de Pink Floyd. “El lado oscuro de la luna”, como se lo conoció en Argentina bajo el sello de “Convivencia sagrada”, el subsello de EMI con el que catalogaba a sus discos de “rock progresivo”, se expresa concretamente en la idea de la vida como un ciclo, comenzando y culminando con latidos de corazón, haciendo referencia a la naturaleza cíclica del universo en todos sus aspectos. La vida (“Breathe”), la muerte (“The Great Gig in the Sky”), el tiempo (“Time”), los conflictos de nuestra especie (“Us and Them”), la locura (“Brian Damage”), la toma de decisiones (“Any Colour You Like”), el dinero (“Money”) y el poder (“Eclipse”), se potencian como aspectos superlativos de una obra conceptual que incluye fragmentos de diálogos, efectos de sonido y sintetizadores que logran una de las primeras experimentaciones de música electrónica en la escena del rock. La utopía progresiva, experimental e improvisada finalmente se convirtió en pop: el disco es uno de los mas vendidos de la historia, permaneció durante 14 años ininterrumpidos en el ranking Billboard, y entro en el libro Guiness de los records.

 

Temas clave: “Time”, “The Great Gig in the Sky”, “Money”.

 

X (Horrible)

XX (Más o menos)

XXX (Ta bueno)

XXXX (Corre a comprarlo)

XXXXX (Música Clásica)

 

*Co-conductor de Frecuencia X

 

Blanco Beatle

Hace 40 años los Beatles sorprendían al mundo una vez más con un disco doble, experimental, y tan diverso como las múltiples facetas compositivas de Lennon, McCartney, Harrison y Starr.

Por Martín Calabró*

The Beatles

“White Album”

XXXXX

Mucho tiempo antes que las publicidades de jabones en polvo hicieran con las amas de casa el desafío de la blancura, los Beatles ya habían pasado la prueba con canciones contundentes y una tapa minimalista, cortesía del artista Richard Hamilton. El “Álbum Blanco”, como luego se lo comenzó a denominar por carecer de un nombre que lo identificara pero si de un color, fue el producto de una conflictiva relación interna que la banda de Liverpool comenzó a sufrir cuando los egos subieron a la estratosfera. Las sesiones en el estudio se convirtieron en canciones solistas, aunque los músicos jamás perdieron el rumbo y dieron lo mejor de si para tocar sus instrumentos respectivos en los temas ajenos. Este disco doble tiene 30 canciones con todo lo que se te ocurra, desde la sencillez acústica de “Blackbird” y “Julia”, hasta el metal de “Helter Skelter”, pasando por canciones swing de los años 20 (“Honey Pie”), surf rock al estilo Beach Boys (“Back in the USSR”),  y hasta un experimento anárquico y bizarro como “Revolution 9”. La participación de Eric Clapton en “While My Guitar Gently Weeps” de Harrison fue histórica: hasta ese momento ningún otro músico había sido invitado a tocar con los Beatles, porque al fin de cuentas, ¿quien estaba a esa altura? Y hasta Ringo Starr se dio el gusto de meter su “Don’t Pass Me By”, tema compuesto hacia unos años antes. Alguna vez la combinación de calidad, cantidad y experimento fue posible. El “White Album” es una prueba irrefutable.

 

Temas clave: “Helter Skelter”, “While My Guitar Gently Weeps”, “Happiness Is a Warm Gun”.

 

X (Horrible)

XX (Más o menos)

XXX (Ta bueno)

XXXX (Corre a comprarlo)

XXXXX (Música Clásica)

 

*Co-conductor de Frecuencia X